隔壁看到的，算是比较全的吧。 保存……<

一、【攻壳机动队的今昔往来】
西元2029年。西元1998年类神经晶片(NeuroChip)问世，不过直到2029年这项技术才真正成熟。类神经晶片扮演了人脑与电脑之间的沟通介面，几乎所有人都接受在脑中移植“微机械”(Micro-Machine)的精密手术，用以适应高度资讯化的世界，这时代的发展形态就是 Cyberbrain（电子脑）的原型。可是人类的劣根天性与犯罪意识并没有因电脑网路发展而消失，从这新的社会产生了另一种类型的犯罪型态。故事的主角草薙素子，是一个身体除了脑部和脊髓之外全是人造的女性生化人。她领导的公安9课，即“攻壳机动队”，用以对付严重的电脑犯罪，护卫国家要人，侦察政治贪污的证据以及执行极秘的暗杀行动。他们同时也是通晓电脑战，并能发挥高性能义体所拥有的全部物理战斗能力的精锐部队。到这里为止就是攻壳1.0的背景，攻壳1.0里有12个故事，从9课的创立一直讲到素子离开9课。

攻壳机动队，英文名是GHOST IN THE SHELL，最初是由士郎正宗1989年4月22日连载于青年杂志月刊Young Magazine海贼版的漫画，每三个月一次，最后十二篇完结了第一部，并正式开始了第二部的连载，于1991年10月5日以一千日元的高价（相对同期的其他漫画而言）第一次印刷发行了该漫画的单行本。虽然一开始该作由于作品的基调灰暗，与当时流行气氛格格不入的关系，并不为包括编辑在内、部分资深读者所看好的，但是随着剧情的展开攻壳机动队在士郎正宗的编剧能力与画功（分镜工整完满，人物写实）之下，那一大堆的栏外补充文字和寓意深刻的剧情震撼了读者的心，很快就成为了当时漫画界最热门的话题。95年该作品由动漫界“怪才”押井守（日本第一部OVA执导者）负责执导搬上了电影屏幕，它是日本第一部由外国(英国Manga娱乐公司)公司全资投拍的动画片，并获得了空前的成功。不光是在日本得到好评，还进军欧美，上映时以票房冠军的佳绩打败了同期的好莱坞大片，此片的英文版录像带占据了美国Billboard录像带销售榜第一位(《Billboard》杂志评选的家庭影碟销售冠军)，就连《泰坦尼克号》的导演詹姆斯．卡梅隆当初也曾为此片的日文LD版撰写文章，可见此片之成绩何等骄人。攻壳机动队是一部不仅仅局限在动漫一方领域的国际知名影片，不但引起了诸如詹姆斯．卡梅隆、昆汀．塔伦蒂诺等好莱坞人士的艺术共鸣，甚至还直接激发了沃卓斯基兄弟的创作灵感，促成了《黑客帝国》系列的诞生。
1988年8月日本发生了著名的“宫崎事件”，到89年6月间连续发生了达四起的女童分尸案件，直到89年7月凶手宫崎勒才被逮捕，警察在搜索其住宅时搜出了许多动漫相关资料，描写性虐待与性变态的漫画，同人色情录影带与色情同人志，跟甚至他诱拐女童后拍下的性变态录影带，后经审讯证实了凶手有多重人格分裂的倾向。这一案件震惊了全日本，所有媒体立刻大做文章。由于此事件相关的ACG产物，媒体便借此 OTAKU（即御宅族）与事件扯在一起，大肆批判，日本政府也趁机攻击ACG界，演变成日后“有害图书运动 ”为代表的一系列政府的整肃、打压ACG界的事件。这一连串的打压行动使日本ACG界从90年开始进入长达五年的冰河期，这个冰河期直到随着95年EVA 开播后才逐渐恢复。
那个时代的关键词，在那个充斥着恐慌与不安的气氛之下，需要的正是热血与浪漫，但是士朗正宗的攻壳明显与时代格格不入，Cyber-punk风格的复杂故事，极其专业的信息量，更有阐述士朗正宗的政治、哲学、宗教观点，完全是一本OTAKU向的天书，然而这一点正是攻壳的魅力所在，即使在冰河期内，91年的单行本也如当时的机动警察一般占有了属于自身的一席之地。
且说士郎正宗，他在上高中的时候曾经学习过柔道和剑道，并且柔道有黑带的实力，但是却投向了大阪艺术大学美术学部的油画专业，不过这一系列的成长并没有促使他与漫画挂钩。直到他的姐姐向他极力推荐一条由加利的《りぼん》；于是才一发而不可收，狂热地喜欢上了漫画这一艺术形式（在此让我们向这位伟大的启蒙姐姐高呼万岁，否则的话我们今天可能会从一个平凡油画家的身边那里错过了）。于是1983年士郎创造了自己的处女作——《黑魔术》（BLACK MAGIC），并且他和那些设身处地在著名刊物上以一现英才的形式进入漫画界的人不同，是自掏腰包出版在漫画同人志上。很快，日本青心社就意识到了他非同寻常的潜力，与士郎正宗联系并商定了他下一步的创作计划，事实证明青心社的眼光是正确的，基于这一层关系截止目前大部分的的士郎正宗出版物均由该社发行（攻壳单行本由以《攻壳机动队》的期刊连载而与士郎结缘的讲谈社出版）。
1989年，士郎正宗 27岁（啊，这么说是因为当时他连载攻壳时还未到诞生日），经由大阪一家并不怎么知名的出版社青心社将其首个漫画作品《APPLE SEED》单行本化发售开始，士郎正宗逐渐从漫圈众多新人中间脱颖而出，并开始了攻壳的连载。这部题材偏冷、主题深邃晦涩的科幻作品凭借自己的魅力在那与自身风格冲突不断的不安时代依然开拓了自己的天地。但是这相对后期的动画与黑客等同类作品的影响相比，依然是太小，然而金子总会发光，“受欢迎的漫画就搬上银幕，受欢迎的动画就推出漫画”这是自80年动画界的第二时代所遗留下的惯例，但是攻壳的故事情节实在是过于复杂难懂，很多片商想去改编却不知从何入手，没有第一个吃螃蟹的人就不会有人知道螃蟹的味道，于是一个出生在韩国的韩裔日本人站了出来，他就是“怪才”，同时又有着“原作粉碎机”之称的押井守。本来押井守当时预定是要跟曾受大友克洋极力推崇的漫画家今敏合作科幻漫画《SERAPHIM》，于动画杂志《ANIMAGE》作重头连载，但是为了攻壳的制作，毅然放弃了漫画的合作。押井守一开口就表明了自己的态度：“改编原作，如果没有加入自己的新意，这样的改编是多余的。”事实也正是如此，押井守将士郎正宗式的喜剧幽默风格完全滤除，加入了自己写实灰暗的特色（从机动警察就可以看出这也正是他的风格），很明显的剧场版在分镜手法及气氛处理都给予人一种冰冷的感觉，这种氛围不禁体现在情节和画面上，也体现在配乐上。虽然如此，押井守执导的《攻壳机动队》还是获得了空前的成功，仅仅其录像带就在北美售出了二十五万份，成为西方观众最喜欢的日本动画片之一，押井守也一跃成为国际知名的动画导演，詹姆斯．卡梅隆也说了大友克洋和押井守是他最欣赏的日本动画导演。
MATRIX’S GURU，当《黑客帝国》三部曲落幕之际，沃卓斯基兄弟并未在电影最后有相关的叙述，但是前者直接来源于攻壳早已是众所周知的事情。这两个日本漫画迷拍摄的《黑客帝国》在不止一处的关键想法上套用了本片的情节，甚至连片头弹出字幕的方式都和本片一模一样。沃卓斯基兄弟自己都承认“黑客”系列的灵感来自于这个系列的漫画，在电影《黑客帝国》系列已经成为全球性话题的同时，我们更没有理由忽略这个堪称 “MATRIX之母”的作品。
“我想科幻类作品有必要创作一些全新的类型。并非未来都是世纪末的那种孤立无助与彷徨不安的感觉，而应该是崭新的、更有希望的才对……必须在可以给人新鲜感觉的题目上动脑筋，虽然这样很难，但是为了众多的读者考虑，也为了不辜负大家对我的期望而不得不这样做。再说这本来就是我的工作！”
这正是士郎正宗的创作理念，正是这种对科学抱持着肯定的态度，主张我们应该在烦恼中前行，士郎正宗的作品总是保持着这种明快向上的风格。很多人寄托在科幻作品中的是对未来世界的担忧，他们惧怕科技的进步在给人类带来相对的益处之外还会带给世界毁灭性的灾难，“人类发明科学,科学毁灭人类”这种思想在近年的“911”事件以后表现得最为明显。可士郎正宗却没有这种想法，他相信着人性，人类社会意识形态的演变将会一直紧逼于科技的发展，而在这种时代为了生存，人类就要一直采取相应的战略和进化。这也正印证了他的一句话：“好不容易利用智慧存活到现在，如果现在不动脑筋、积极思索生存之道那将是非常愚蠢的行为。而进化则是为了更好地适应生存环境，这是永恒不变的道理。”也正是因为如此，在攻壳的后记中，才会有那句：“未来应该是更光明才对。”虽然从商业角度来考虑，读者更希望看到容易理解的作品内容，然而士郎正宗却认为这是种“不负责”的态度，现实并不是这么容易理解的，考虑到这点，士朗正宗传达了自身风格的理念，通过自身的漫画让读者了解更多无法用简单词汇了解的东西。为了更美好的未来，这种心态正是我们所需 要和必须拥有的。

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BY JASON ANDERSON
 

Midnight Madness is a great place to meet unusual characters — martial-arts freaks, gore hounds, punk pinheads and Milton-quoting cyborg detectives. Though this last category can only be encountered on the screen, surely it won’t be long before we catch up to the future presented in Ghost in the Shell 2: Innocence, one of the most anticipated entries in the Toronto International Film Festival’s two-fisted survey of genre cinema.

On Sept. 9, the series launches with the Canadian premiere of Japanese maverick Mamoru Oshii’s sequel to his anime milestone. (The new film goes into wide release on Sept. 17.) Four years in production,Ghost in the Shell 2: Innocence is a new benchmark for Japanese animation both for its technical achievement and its provocative content. It was created by Production I.G., the company responsible for the original Ghost in the Shell,Jin-Roh: The Wolf Brigade and the visceral anime sequence in Kill Bill Vol. 1. Using techniques Oshii mastered in his 2001 live-action feature Avalon, the style combines expressive 2D characters with 3D computer-generated environments and photorealistic backgrounds. The film’s dragon-filled festival sequence alone took a year to create.

During an interview at the Cannes film festival in May — where Ghost in the Shell 2: Innocence played in competition — Oshii explains through a translator why he returned to making anime after a six-year break. “I thought I should do one pretty soon or else I’d never be able to do it again,” he says. “Directing animation is a very sensitive thing. You can’t really be away from the animation studio for a long time because you completely lose your sense of what’s happening in anime. It was about time to go back.”

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漫游：wbcan

呜～～总于等到了，原本以为因winny事件受到影响，传到大陆会晚些时，承天之幸～以我的慢网速在HY下了一天的ape，欣赏几天，看看没什么人提起，由在下起个头吧。

这张OST歌曲仍算不少，虽然我们可以颔首肯定的说，嗯，是菅野洋子的风格，但不能不惊奇的是，听熟她以前的作品再来听新作却丝毫不感雷同重复或冗余。
01.「サイバーバード」（作詞·歌：gabriela robin）
曲目1又是影子歌手robin san献声，绵长、迷幻、高亢的歌喉可以追溯到macoss plus和地球少女Arjuna。看看菅野最近的音乐，wolf’s rain，特别是攻壳系列，有一种方式特别明显，用连绵不绝的小提琴弦乐做悲怆的底色（这里加用人声和声），电音混合成的打击乐的不协调以喻示隐隐渗透出的不安情绪，大家可以与OST1中的lent cruise对照着听。这种华丽的张扬，还有一位音乐人Craig Armstrong的风格比较神似。
02.「rise」（作詞：origa/tim jensen　歌：origa）
呵呵，早就有完整版，听熟了的……
03.「ride on technology」
爵士乐队中的小号、鼓和电音合成，高速跳跃，随意不羁的小号属于bebop爵士。切合难以控制、任由天马行空的网络世界。
04.「アイドリング」
仿佛是通过编排合成的迷幻萨克斯，较能表现菅野在音感上奇妙的艺术创造力。
05.「i can’t be cool」（作詞·歌：ilaria graziano）
ilaria graziano最早出现在NAPPLE TALE 怪兽图鉴中的一首声乐小曲，到wolf’s rain正式开始演唱，糯润的翘卷舌意大利发音，但个人以为其嗓音的开阔性和平衡不及origa，拿腔拿调的技巧还需经验磨炼，不过菅野写的歌对唱者的资质要求相当高就是。
06.「３tops」
表面上是爵士乐队即兴演奏，欢快随性，但中途萨克斯一近一远的回应可能是合成编排进去的。

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漫游

来写点观后感吧。
　　这次看Innocence，本来是在我的计划之外。预定中是周六中午去池袋看古代文化展，下午去护国寺。结果早上起来后居然鬼使神差地跑去洗衣服，一边搬把椅子坐在阳台旁边看《暗黑破坏神》。等到收拾停当出门的时候，已经是11点多。
　　看完展览当然来不及再去护国寺，在池袋的街上晃悠来晃悠去，看店铺，看旧书店，看街上的人们。来的路上记得看到一间电影院，也记得有Innocence的海报。顺路晃过去一看，果然是有，下一场是二十分钟后。于是买票，买好饮料，进场。
　　因为买票的时候已经很临近开场了，所以相对地，没有好位置的票。池袋的影院全都是指定席位，售票的小姐问我：要旁边的还是前排中间的？想都不想就是：中间的。
　　剧场在六楼，很小，可是座位设置得很舒服。我的座位好是B10，几乎就在大屏幕的下方，音响交汇的地方。觉得抬两个小时的头太辛苦，于是跟着旁边的两个高中生摸样的人，干脆把身体躺下来看（确实是很舒服）。后来发现这样看片也有很奇特的效果，这个后面再说。
　　总之，电影开始。

　　日本电影的惯例，是开片之前一般都有几个介绍，这次也不例外。第一个广告就是《Ghost in the Shell》的游戏，3D，PS2。个人不喜欢3D的游戏，总觉得人物一3D化就和2D的感觉完全不象了，看游戏的介绍画面，也有这种感觉。好在配音是 SAC的原班人员，介绍的片段以素子倒地，巴特的一声大呼：“素子～～～”结束，感觉魄力还是有的，笑。
　　接下来的两个预告片让我完全没有想到，大友克洋的新片和GHIBLI的新片，什么魔女的森林。大友克洋的风格还是老样子，十九世纪的机器繁盛被他画得一点浪漫气息都没有，看起来明明就有英雄救美的场景啊。魔女的森林倒是不象GHIBLI的风格，画面平面装饰的风格很重，以前在CD店看到海报的时候还差点以为是欧洲的动画片来着。介绍片至少是不够精彩的，因为一点印象都没留下（因为看Innocence太专心了？）。
　　接下来的就是柯南的新剧场版和蜡笔小新西部生活的剧场版预告。这种画风不精致的东西果然不能拿到大屏幕上看啊……感觉是完全粗糙，线条太粗、颜色太平板了……不过介绍和本片气氛的反差实在是太大了，以至于小新的片头出现的那一瞬间，剧场里所有的人都笑了。
　　话说回来，连Innocence在那么大的幕布上看起来都不是特别精致。可是有音响和大画面的魄力……我还是喜欢在电影院看 ^^

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作者：hitchcock　来源：网易周黎明留言版

“生死去来，棚头傀儡，一线断时，落落磊磊。”

《黑客帝国》的成功，让世界认识了老爸级的《攻壳机动队》，这个在1995年就已经在动画电影界取得了极大成功的电影终于走出了动漫狂和东亚文化的圈子，当人们看到脖子上的插头和魂魄分离的生命模型已经早四年就出现在动漫的天地，这部改写生命定义的电影才真正被世界大众关注。事隔九年，《无罪》出现在戛纳的官方甄选名单，但真正到了我们能看见，已经半年过去。在这部并不算续集的姊妹篇里，生命的概念再次得到了挑战。

在第一部的结尾，少佐成了一个人类和机器灵魂的混合体，从公安九课消失，投身于无限的网络中，在第二部中，她索性成了一个没有具体形态的纯灵魂，时而化身为好友体内电脑终端的警示，时而附身在机器人身上，已经达到了“吾心自洁，独步天下，如林中象”的境界，没有我相、人相、众生相、寿者相，才得以获得最大的自由。

记得看过一个小中篇，名为《爱因斯坦的梦》，设想了相对论引发的二十多种可能的时间流逝状态，以及在这些状态下人们的行为模式。《攻壳机动队》的系列电影和电视版也是这样的情况，设想一种生命的存在模式，即“魂在壳内”，这个定义在第一部里并没有得到太多的探讨，而是主要在讨论机器和人类的伦理问题，但在《无罪》中，至少设想了十二种人工生命的状态：没有历史的克隆狗，无法鸣冤的偶人，混沌中的儿童，仅用义体的物理功能的公安、纯机器壳中不死的人脑、作为群体记忆的城市、没有我执的云雀、肢体力量和信息获得能力堪与神媲美的偶人、没有记忆却保持自我的孩子、没有记忆也没有知觉的人魂，以及少佐的纯灵魂。这些都是生命的存在方式，彼此之间的区别顶多是黑和白的区别，在电影一句孔子，一句旧约，一句法句经，一句俳句，再来点柏拉图和迪卡尔的思想碰撞以后，故事那个机器妓女杀人而后自杀的引子已经并不重要，被证明“无罪”的已经说不上是机器人妓女的自我意识，而是为了实现自我，各个生命状态彼此争斗的苦境。等到真相大白，也只能以一句“鸟血使人怜，鱼伤无人问”的叹息结束了所有的形而上的争论，或许所有的生命都是注定要线断落珠的傀儡，而那个操纵着吊线的则是我们的自我意识。连能力接近神的金都这样说：“人和神都是太执着自我，所以不得自由”。

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漫游：WhiteCoffee

这是一篇“普及”《攻壳机动队》的文章。我恐怕骨灰级的攻壳fans看了本文要气得发疯，因为我对这个作品没有很深入的研究，错误是难免的。

时下最流行的《攻壳机动队》的作品应该是”Stand Alone Complex”，也就是《攻壳机动队》的TV版。有人说这不是正统的《攻壳机动队》，只能算是同人性质的作品。虽然很讨厌这种“正统”“外传”的说法，但是上面的观点也的确有一定的道理。

漫画《攻壳机动队》，英文名是”The Ghost in the Shell”，是以89～90年连载于青年杂志（Young Magazine）海盗版的作品为基础的，作者是士郎正宗。这部漫画有两大本，发表时间大概是91年。这是最初的攻壳机动队故事，也就是fans所说的“ 攻壳1.0”。作者想写一个类似Cyber-punk风格的作品。Cyber-punk指的是一种科幻小说的流派，感兴趣的人可以深究。我这里只介绍一点儿“攻壳1.0”的故事背景和情节提要。

漫画里的故事发生在西历2029年，在这个时代，以光、电子和生化技术为基础的电脑、AI和网络主导着每个人的生活。移动通讯向人体靠拢，从可移动通讯终端（就是手机之类的设备）开始，经由可穿戴通讯终端的阶段，逐渐发展到了可移植通讯终端的阶段。技术的发展使得通讯终端直接植入人体成为可能，人类的躯体和思想从此可以直接与标准的计算机和网络互动。这些可移植的终端逐渐的替代了过时的可移动/可穿戴技术，最终的发展形态就是Cyberbrain原型。Cyberbrain使得人脑和计算机网络融为一体。在故事里，Cyberbain已经成了普遍使用的安全又便宜的东西。Cyberbrain（电子脑）的流行，使得人脑与外部网络连接，人们开始处在脑部入侵的危险之下。最严重的脑部入侵犯罪就是“幽灵黑客”（”Ghost Hack”），在这种情况下整个人的人格，包括过去的回忆和某个人的身体判断都将受到黑客的支配（通俗的说，就是“人脑”这部超级电脑被黑客攻击了）。人们采取不同的对抗措施，比如说开发无数的保护墙和屏障，以及通过法规来约束，当然还有在神经网络系统内部的安全系统的加强。另一方面，通过机械部件来代替身体器官的义体技术”Cyborg Technology”飞速发展，甚至“所有器官都是人造的”这种极端的情况也可以轻松做到。于是，人类和机器融为一体，人和机器的界限也变得模糊。由于 AI技术的高速发展，人和机器，似乎只能通过有没有“灵魂”（ghost）来区分。极端一点儿说，一个全人造的义体，用程序控制就是机器AI，输入灵魂就变成了人，或者说是生化人。但是，“灵魂”究竟是什么呢？

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漫游：菲特烈

Ghost in the Shell, 顾名思义就是所谓“躯壳中幽灵”的意思，而这也是押井守这部电影所要表现的主题。实际上，对于Ghost我们不妨广义将其理解为人的精神意识，姑且让我们称之为所谓灵魂。

“我时常想，也许我已经死亡过了。现在的我只是机械和电子信号复制的灵魂而已。”
―草薙素子

这是片中女主角的一句话。从严格唯物主义观点来讲，精神是建立在肉体基础上的，没有了物理基础所谓心理层面也就不复存在了。然而在电影的世界里，则似乎完全采取了另一种世界观，即心身是不同质的。实际上这是长久以来的主流传统哲学认知，大凡各个文明的宗教，都无一例外地认为人的精神是高于物质或是可以在某种情况下可以实现身心的分离。它们的关系就仿佛一架机器和一个藏在机器中的幽灵，而这个灵魂主宰着机器的运作，而当机器不存在的时候，灵魂依然存在。按英国哲学家笛卡儿的话来说就是“物有广延却无思想，心能思想却无广延。”从这个理论上推导开去，我们实际上并不是真的看见某物或是听见什么，而是想听见或是想看见。虽然这个流传甚广的看法，但却也受到了19世纪刚刚兴起的唯物主义论调的有力挑战。唯物主义者们，提出了自己的疑问：其一如果心身相互是分离的，那么两者真正的联系是什么呢？是心作用于身，还是身作用于心？其二人们可以凭借内在的反省来认识自己的心灵，但是如何认识他人之心呢？如何断定除了自我之外还有他人的存在呢？

很有讽刺意味的是，“灵魂机械说”真正大行其道不光是因为传统的宗教哲思，恰恰也是了有科技昌明时代的支撑。文艺复兴后的世界至少是西方世界是一个物理不可一世的时代，万事万物似乎都需要用物理学来进行合理解释。然而人之内心精神则完全与之对立，物是由物理材料构成当然也有必需遵从物理规则，然而心则是非物理材料构成自然也就无法用所谓物理规则来衡量。从这一观念推导出的结论自然是心和身是相互分离的，于是当时物理主义者们在推理不通的时候只好重新倒向传统的论调。而从19世纪出现的新一代唯物主义者们，虽然提出了新的质问但是却也欠缺有力证据来创造他们的全新的主张。无论是认可还是驳斥，双方还是在围着“灵魂机械说”打转，不见得有什么的新的看法。

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by 海边的卡夫卡

士郎正宗的原著漫画在政治、经济等方面已有不同程度的涉及，作为TV版的SAC，除了较全面地体现原著思想，并使其比声名卓著的剧场版更为丰富以外，还有其它的大胆尝试。监督神山健治显然想在其得意之作中和观众们打一些哑谜，将 cyberpunk的敏感自省的特性淋漓尽致地发挥。对文学艺术作品的大量引用，使得SAC在故事主线延伸、悬念塑造、思维引导等方面，形成了另一个引人深入的探索空间。

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by红袖添饭

早就放了消息树了，现在才补上，太忙了，抱歉。

本文登在最近一期的《AnimePlay》上，我是在书店现场做的笔记，没有全部COPY，也没买（No MONEY screen.width/2)this.width=screen.width/2″ vspace=2 border=0>）。不过有料的内容自认为都摘下来了。因为还没时间看中文字幕的版本，所以这里基本上是摘抄，自己的话都放在括号里。

押谈到他在INNOCENCE中强调BODY的重要性时说：
A human cannot think of himself without a body, nor can he live. The problem, however, lies solely in the fact that a human does not have a body of its own. The story of the search for one’s lost body might be what this movie is about.（这里谈到INNOCENCE这部电影的主题了，是BODY。押井守似乎认为在第二集的设定里，BODY才是定义HUMAN的根源。这与第一集的思想是不同的，但是考虑到第二集的整体情节，应当是可以说得过去的。当MIND都被电子化后，你怎么能说你的MIND是区别你自己和他人的终极东西了呢？何况MIND被电子化后就有被manipulate的可能，你的ghost可以被复制到别的shell里，但你不会感觉那是你自己，所以电影中那些 sex dolls才会想自杀，以此表示对新的shell或者所谓新的自我的不认同，ghost还是需要原来的body。在电影的设定中，这种问题其实不仅发生在sex dolls身上，她们的例子只不过更极端些；对于每一个义体化的HUMAN来说，当义体已经成为一种普遍的共性的HUMAN“特征”，他们是不是也会思念原始的BODY呢？后面押静守谈到了本片的主题实际上是MIND与BODY之间的LOVE……个人感觉第二强调BODY是对第一集强调MEMORY的一个螺旋式上升的命题，二者并不矛盾，因为是在不同的设定层次上讨论问题。）

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漫游：糊涂葫芦

写在最前面的话：这不是一篇规整的研究之作，充其量算是对模糊概念的另一种解释，所以其中无论引经据典还是由此展开的话题，多含个人看法。抛砖之文，以仰视之姿态期待高见的出现。

引子——Stand Alone Complex的字面含义
如果有留心到每话的开始画面，不难发现，凡是情节涉及到笑脸男人和与其相关的事件追踪时，该话必然出现complex episode的标志，反之则是a stand alone episode。stand alone很容易理解，孤立也好，卓越也罢，即使在计算机术语中，stand alone也占有一席之地，并且是与字面近乎一致的含义。
就算是complex，也可是“复杂”、“复合体”和“情结”的化身，抑或二者的结合体。如此，按照排列组合的原理，似乎就能拼凑出SAC的意思，但究竟我们能否嗅探到其中深意，却是另当别论。

引理——GITS世界中的层峦叠嶂
原作者士郎正宗显然是将GITS漫画放在了SF的层面上，纷繁的设定和硬朗的对话，无一不在告诉读者：这是一部彻头彻尾体现他设定癖和SF深层挖掘能力之作；剧场版则更多的从人文的角度探讨了一个现在没有答案没有定势、未来也未必有的问题，一如灵魂般遥不可及；GITS: SAC与它的前辈们相比，最大不同就在于多了SAC的字样，由此将GITS的世界观横向铺展到了社会学的领域。在同样涉及了电子脑、社会网络化等概念的前提下，SAC似乎更遵从“以人为本”的原则，独立成章的故事几乎都有其完整的社会背景，而贯穿始终的主心骨——笑脸男人事件拉来了塞林格做支持（关于这点参见2004年1月号《动漫贩》le_cirque_de_k的《攻壳机动队中的典故解密》，好文哪~）：麦田守望的另类带来的不仅是文学影响，还有对当时乃至现在社会价值观的冲击，兼容了“怀疑、自我、叛逆还有略显幼稚却不乏真诚的理想”的风格，造就了《麦田守望者》的社会效应超过任何一部同期作品。 SAC则秉承了这种思路，或许complex中的“情结”之意，就是在向《麦田守望者》致敬，而stand alone章节是该思路的零星体现，资本化的归途，传奇人物的终结，国家参与的阴谋论，都是对社会框架的小小质疑和挑战，究竟在这些看似不能控制的社会范式中，掺杂了多少人为因素，或者说，整个体系的建立不是因为它“自动形成”，而是加入了过多的“机制”使然，以及若这种假设成立，“机制”的起源及发展。看似很拗口但却完整的东西，在SAC的名义下，被肢解成了一个个藕断丝连的子个体，之所以“藕断”，是因为故事的人物、背景以及行动的理由各不相同，但处于同一思路指导下又使这些个体们不能不“丝连”。举个显而易见的例子，第十二话中的电影导演将自己的理想固执的封闭在一个电子脑的举动，多少都能让人联想到《麦》主人公霍尔顿敏感到自闭的情形。

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